Les membres de PVA deviennent progressivement davantage eux-mêmes, et cette éclosion est véritablement remarquable. Le premier album du trio, Blush, crépitait de l’énergie forgée au fil de concerts intensifs : son groove électro-punk, entre swing, assurance et pur sens du style, dégageait une joie communicative sur scène et une réelle cohésion de groupe. Mais son successeur, No More Like This, va bien au-delà. L’énergie est toujours là, mais elle sert désormais de point de départ pour explorer des territoires plus vastes : l’art, l’intimité, le corps. L’album élargit considérablement son champ créatif : son, textes et visuels s’y entremêlent dans une véritable démarche de construction d’univers, tout en affirmant plus clairement qu’il s’agit du son de trois individus bien réels, avec des vies qui existent en dehors de la scène et du studio. Riche en idées et traversé par les complexités de l’ère numérique, il reste pourtant profondément ancré dans une expérience physique, celle de corps inscrits dans l’espace et le temps. S’il intègre des influences venues du R&B, du rock alternatif, de la pop expérimentale ou de l’électronique, c’est toujours au service d’une expression sensible et incarnée, sans jamais perdre en cohérence ni en singularité. En s’assumant davantage, Ella, Josh et Louis s’autorisent simplement à être plus pleinement eux-mêmes.
En personne, le trio dégage un optimisme qui ne peut naître que d’une fierté tranquille face à un tel accomplissement, et du fait de l’avoir atteint en construisant patiemment une infrastructure et une communauté autour d’eux. Bien qu’encore jeunes, ils sont expérimentés, lucides face aux injustices, conscients des pièges de l’industrie musicale, et animés par une intentionnalité qui permet à No More Like This de mêler romantisme et réalisme. Ils reflètent aussi le type de personnalité collective que l’on entend dans leur musique. Ils le soulignent lorsqu’ils racontent leur formation : Ella (Nord de Londres) a commencé comme promotrice de concerts à l’adolescence, expérimentant timidement le live avant de rencontrer Josh (Croydon), dont les obsessions pour la musique rave et l’hyperpop formaient un contrepoint idéal ; mais ils ne se sont sentis complets que lorsque Louis (également de Croydon et camarade de classe de Josh) leur a déclaré avec une détermination inhabituelle qu’ils avaient besoin d’un batteur. Et cela se ressent dans leur manière d’en parler : Josh analyse, pense à voix haute, déroule ses idées en temps réel ; Ella va droit au but et s’exprime en termes très concrets ; Louis est plus réfléchi, parle moins, mais avec concision et justesse lorsqu’il intervient.
Ils ont travaillé dur pour arriver à No More Like This. Huit années de concerts constants, à bâtir un réseau d’amis et de collaborateurs de confiance ayant grandi à leurs côtés dans les salles indépendantes londoniennes, contribuant à faire évoluer la scène DIY, loin de la monotonie archaïque et masculine du rock traditionnel, vers un espace où individus et groupes peuvent être pleinement eux-mêmes, sans limites. C’est d’ailleurs, à bien des égards, le propos de No More Like This, tant sur le plan pratique qu’esthétique. On entend clairement le travail d’un groupe prêt pour ce moment. Durant ces longues années à jouer dans des pubs et des soirées, puis pendant une période intense d’isolement liée au confinement où ils ont approfondi la nature même du groupe, ils ont réfléchi à la meilleure manière d’être eux-mêmes jusque dans les moindres détails, y compris la gestion de leurs emplois et de leurs relations. Pour Ella, cela signifiait trouver sa propre identité artistique et vocale : « J’ai trouvé ma voix sur cet album », dit-elle. « Je n’ai jamais été formée comme chanteuse, Josh et Lou m’ont encouragée à essayer, ils m’ont laissé l’espace pour sonner mal et m’entraîner. Le fait d’extérioriser mon monde intérieur à travers la poésie et les paroles, et de le mettre en musique grâce au développement du chant, a été profondément transformateur pour moi. Cela m’a rendu ma voix et m’a permis de construire un univers artistique qui me correspond, et non une projection de ce que je pense qu’une femme queer dans la musique devrait être. »
Cette honnêteté émotionnelle traverse No More Like This avec force. « Il y a beaucoup de deuil des vivants dans ce disque », explique Ella. « Les nombreuses étapes de cette situation étrange, la colère, la résilience, le déni, la peur, le désir, oublier le son de leur voix, regretter les petites choses. » L’album est à la fois plus colérique et plus doux, plus radical et plus accessible, plus onirique et plus ancré dans le réel, tout simplement plus vaste dans toutes les directions.
Le groupe a été très attentif à son processus : d’abord exposer leurs influences, improviser à partir de celles-ci, puis se répondre et s’échantillonner eux-mêmes en continu, construisant des collages de moments vus sous différents angles, ce qui a permis de faire émerger quelque chose de supérieur à la somme des parties, souvent à leur propre surprise. Louis l’exprime avec justesse : « on jouait, on expérimentait, on se disait “faisons des sons informatiques délirants”, peu importe, jusqu’à ce qu’on se sente libres, plus enfermés dans une case, et là tu te disais : wow, OK, ça fait battre mon cœur, ça me fait transpirer le dos, là il se passe vraiment quelque chose ! » Ella renchérit en évoquant cette sensation physique d’unité : « On a clairement pris le temps de discuter des influences… et j’ai aussi été inspirée par le fait de voir autant de femmes et de personnes non binaires sur scène, authentiques… mais surtout, je voulais faire quelque chose qui donne l’impression qu’on danse dans le studio. » Une idée liée à sa vision de la création artistique comme pratique d’ancrage : « Cela me relie à des poètes de générations passées », confie-t-elle, « et je suis heureuse de me créer une place dans la musique indépendante qui soutient et valorise ma pratique d’autrice, de musicienne et de performeuse, c’est ce qui me permet de continuer dans ce monde. »
Ce processus, selon Josh, « nous a permis de tout intégrer, même des choses kitsch si on en a envie, parce que c’est sincère, c’est porter son cœur sur la main ! »
Ce fonctionnement reflète parfaitement l’impressionnisme DIY, presque fanzine, des visuels qu’ils développaient en parallèle de l’écriture. Dans l’artwork, un mélange percutant de corps, de formes abstraites, de mouvement, de lumière et d’architecture se combine pour offrir non pas une esthétique figée, mais le tourbillon étourdissant de vies en cours, avec toute la richesse, la rugosité et la texture que cela implique. Et les morceaux suivent cette même logique, assumant pleinement tout ce que le groupe a absorbé au fil des années, tout en le dépassant grâce à l’alchimie simple de leur présence commune dans une même pièce, à la recherche constante de sons qui font battre leur cœur plus vite. « Boyface » évoque une interface magique entre Massive Attack et William Orbit ; « Flood » s’inscrit dans cette ambiance post-R&B londonienne et ombrageuse qui a imprégné la scène alternative via des artistes comme Tirzah ; « Send » développe un groove hypnotique, entre errance berlinoise et post-Electroclash… L’ensemble est unifié par la présence du producteur Kwake, fort d’une riche expérience dans les scènes beats, jazz et soul du sud de Londres, mais toujours au service d’une priorité : permettre à PVA de se découvrir et d’être eux-mêmes.
Il ne s’agit donc jamais de naviguer entre les genres, ni d’expérimenter en studio pour le simple geste, d’ailleurs, toutes ces références s’effacent rapidement à l’écoute : c’est un album de GROUPE, autant que Blush l’était. Les morceaux sont plus structurés, plus affirmés dans leur dimension de chansons, et Ella s’impose davantage comme chanteuse, ce qu’ils assument pleinement en ouvrant l’album avec la ballade à la Twin Peaks « Rain ». La batterie de Louie, de plus en plus fluide, est intimement tissée aux textures électroniques, les arrangements sont plus riches et plus luxuriants, et ils parviennent à exprimer des émotions plus dures avec des gestes plus subtils. Mais cela reste le son d’une personnalité collective : trois individus qui ont trouvé leur voix, et continuent de la développer, en jouant ensemble, en improvisant jusqu’au moment où ils se disent : « Oui, ça, ça fonctionne ! ». C’est pourquoi, alors qu’ils s’apprêtent à promouvoir l’album, à tourner plus largement que jamais, à renforcer leur réseau et à jouer dans les festivals dont ils rêvaient, tout en préservant leur amitié à trois et les principes personnels qu’ils ont patiemment forgés, les membres de PVA ont toutes les raisons d’être optimistes.